恥御殿

08/10/2007 ソワレ

スカッとした。何がスカッとするかって、先ず、東京駱駝の「現代口語演劇」もろパロディの台詞回しで駱駝隊組んで去っていくセンス。これにやられ る。続くレビューで、いきなり一曲目、「私は風」である。俺、カルメン・マキ聞くのなんて中3の春以来。しかも人前でカルメン・マキを歌う奴も初めて観 た。中里順子に男気を感じる。さらにちょっとピコピコした曲の振り付けが、何だかMighty Boosh の Electroを思い出させてちと泣ける。と思ったら「他人の関係」に岩崎宏美。おじさんは大興奮の渦だ。

最後のジャイケルは、「この技であれば、わしの元上司の大○田さんの方が実は芸達者かも」とちょっとだけ思いつつ、でも、I'm Bad 最後まで踊りきる体力には大拍手で、いやー、最後まで楽しませていただきました。

欲を言えば連れと一緒に、あるいは娘も連れて来たかったが、それはまた今度ということで、気持ちよくうちに帰りました。

The Shampoo Hat その夜の侍

08/10/2007 マチネ

ストレートに泥臭く伝えようとしていて、まさにストレートに伝わってきて、かつ、細部にも手を抜かずに、細部の一つ一つが芝居の全体に奉仕する。
この気合について斜に構えるつもりはないし、そこにあざとさが無い限りにおいて、それはプラスに働いていると感じた。

でも、そんな芝居を観ながら、僕は次の2つの不謹慎なことをしていたのだ。
①　1時間ちょっと経過したところで、「じゃあ、あと、1シーン10分でシーン6つね。暴力シーンが1つ、対決シーンがラス前に1つ、ラストシーンが1つ、出かける前が1つ、あと何だろう?」と計算を始めたこと。
②　カーテンコール、役者が並んだところで、「あ、配役をこう入れ替えて観てみたい」と考えたこと。ちなみにMy 配役は　黒田＝木島、野中＝小林、児玉＝中村、赤堀＝青木、多門＝久保、日比＝星　です。

①は、芝居がだれたからではない。「芝居が明確にどこかに向かっている」のが余りにも最初から目に見えているために、却って、そこまでの道行きを 計算してしまうということです。言い換えると、推理小説とタイトルが付いていたら、犯人が最後に見つかるはずだと結論を先取りして、それにあわせたペース 配分で本を読んでしまうようなものだ。

②は、配役の個性までもが①の「どこかに向かっていくこと」に奉仕するのは、特にこの劇団ではもったいないような気がしたから。もっともストレー トに伝わる配役は、それはそれで効率的かもしれないけれど、僕が芝居小屋に行く理由は、「もっと他愛のないものが観たい」からなのだ。効率的に、強烈に伝 えるメディアは、それは、実は、芝居ではないところにあると思う。

その意味で、全体への奉仕が明確でなかったのは「警備員」だった。無論、良い意味である。この役に関しては、「誰がやっても大丈夫な、つまり置き 換えが自由な」役であるにも拘らず、「滝沢がやっているからこうなっている」という感覚が何ともむず痒くて（このむず痒さも誉め言葉である）、また、劇中 最後まで名を呼ばれないこの女性は、何も叫ばない癖して、その「名前も要らないくらいの立ちで」芝居の臍にいたのだ。そこら辺が、実は女優氏には悪いが 「戯曲の勝利」みたいなところもあって、そこは何だか勉強になった。

と思って、役名も「警備員」とだけあったよな、と当パンを開くと、ちゃんと「関由美子」なる名前が与えてあって、自分の記憶や解釈なんて、ほんと大したことないなぁ、と思ったことである。

唐組 眠りオルゴール

07/10/2007 ソワレ

開場前並んでいたら、くつ袋の使い道を説明していた。そうか、最近の客はくつ袋なるものに慣れていないのか．．．そういえば、唐ゼミを観たときに 唐さんが来てたので、それとなく「唐さんが来てますね」と隣で並んでる人に言ってみたら、「唐さんってどんな人か知らないんですが」。そういう時代だ。

それにしても不思議なのは、これだけ巷に芝居が溢れている中にあって、赤テントよりも面白い芝居が滅多に無いということだ。去年帰ってきた当初は、自分の中のノスタルジアが「赤テント面白い！」と言わせているのかもしれないと思っていたけれど、どうやらそうではない。

赤テントの芝居には、特に観客の妄想力を掻き立てる仕掛けなど施されていない。それでもなおかつ掻き立てられてしまうミソは、作・演出の妄想力そ のものである。本当に、唐さんの傍若無人で巨大な妄想力に対峙するのは大変なことで、勿論そこに巻き込まれぬよう半歩引いて観ても充分エンターテイニング だし、半歩踏み込めば、大嵐の中で脳味噌を直接剣山でチクチクつつかれているかのような、頭の中がかゆくて仕方が無いことになってしまう。

それが毎回楽しみなのだ。
そして、「どうやっても唐さんを超えることは出来ないな」と、超えることを試みすらしていないくせに、生意気にも思ってしまったりするのである。

円 天使都市

07/10/2007 マチネ

芝居、立ち上がらず。
三谷・平木夫婦の「いかにも老人」な演技が気になって気になって、ひょっとすると壁の向こう側では芝居らしきものが進行していたのかもしれないけれども、僕にはその壁の向こうが見えない。一体どう観ればよいのか?

作者はプログラムの中で、「俳優はある人物を演じる以前に、報告者としての立場を守らねばならない」と書き、「母語を外国語のように聞きたい」と書く。
そこに当てはめて舞台の上で発せられる言葉に耳を傾けると、どうやら、次のように思えてくる。

俳優達は、一つ一つの言葉に対して浮かぶイメージを慈しみ、それが充分に一言一言にこもるように台詞を発することを求められている、のではないか？
そのことで、言葉の持つ「歴史」を示そうとしているのではないか?
従って、作者の要求その一、「報告者の立場」は、当初から逸脱されている。どちらかといえばワイドショーのレポーターである。下世話だとか下品と か言っているのではない。報告者としての立場を忘れ、「自分の歴史・ものの見方」を露骨にある事象に嵌めこんで、そこに疑問を加えぬまま発信する態度のこ とである。

そして第二に、「母語を外国語のように」発信するには2つの通り道があるはずで、一つは、母語としてのコンテクストとなりかねないものを徹底的に 剥ぎ取るパス。もう一つは、個人としてのコンテクストに徹底的に拘ることで、聞き手が母語として認識するものとの差異を浮き立たせるパス。
この演出では、後者を選択し、しかもそこで、「差異」について自覚的でない、つまり、徹底的に個人に拘ったものが「聞き手にも共有しうる」と、かなり楽観的に信じている気配がした。

そういうことばかり考えて観ていた。

一つだけ。実は、「老夫婦」は記憶を辿る存在としての、「若い2人」は現在に目を向けるレンズとしての役割を、アプリオリに期待してしまうのだけ れど、芝居の中ほどで、どうも、老夫婦こそが現在を生き、過去を忘れ、その一方で若い2人が過去に囚われ、前に進まない、というねじれが起きているような 感覚に襲われた。それが、やはり松田氏の書く「都市であると同時に廃墟であることの二重写し」であるならば、その効果は少なくともそこはかとなく、発揮さ れていた、ということは言えるのだろう。他の演出でも見てみたい。もっと剥ぎ取っていく演出で。

文学座＋青年団 その行間まで、100km

06/10/2007 ソワレ

つらかった。
餓死した母子の母の手記と、そこに書かれた日付・時刻での自らの高校時代を照らし合わせて、そこに生じる「自分の」感慨が舞台に載せてある。
その感慨を舞台を使って観客に説明してくれても、少なくとも僕の何かを刺激するものにはなり得なかった。

テクストを「読む人」たち。彼らの声はどこへ向かうのか?僕にはそれが、行き場も無く中空をさまよっているだけに聞こえた。中途半端な抑揚やおどけがその辛さを目一杯誇張する。
「そもそも、手記のテクストだってどこへ向かうというわけでもなかったのですから」
という向きもあろうが、それを口に出したとたんに、作者にテクストの何が響いたかを探る糸口は完全に閉じてしまうだろう。

同じ、活字になったテクストを舞台に載せる試みでも、燐光群の「放埓の人」は格段に上出来だった。読み手（黙読）としての坂手洋二と、読み手（音 読）としての役者達と、身体と、役のキャッチボールと。そういうごった煮を舞台にぶつける中に生まれる隙間に、観客はスルリと割り込んでいくスペースを見 つけることが出来た、気がした。
今回の公演にはどうにも入り込む余地が無い。

また、「演技」もつらかった。なぜテクストを読み上げる母の声はあんなにも辛そうなのか。なぜ腰を曲げるのか。そこに作・演出の想像力はどう働いているのか。観客はどこに想像力を働かすのか。どうにも厳しい。

唯一何かが起こる予感がしたのは、寝たきりの息子の足の裏だけだ。そこには何かが生まれる気配があった。気配だけだったけど。

jorro mirror

06/10/2007 マチネ

5月のトライアウトに続き、2度目。

先に、終演後の客出し曲のことを書く。おいおい、赤羽の団地の話をしといてエレカシで〆めますか!!　それじゃまんまじゃねーか。
いっておくが、小生も北区生まれの不惑過ぎである。北といえば「赤羽」を指し、南といえば「池袋」を指す、そんな町で幼少期を過ごした。
ビバ、北区!　北区万歳!　東急線ナンセーンス。
が、みやじの曲は、「愛と夢」より新しい曲は一切聞かん。だから今日かかった曲も知らん。

横道にそれたが、そこらへんの、赤羽台団地と家賃85,000円１Kのギャップをどことなく匂わせる、というのが、意図か?　赤羽人情話としてみ るなら、上手くいっていた様な気もする。「気もする」というのは、再開発後の赤羽にはトンと寄り付いていないから、その分の留保だ。

でも、芝居自体の出来は、前作の方が良かった、かな。
①前回は「飲み屋さん」という設定だったため、「一体どこを見ていればよいのか」感がより強く、狙っているであろう「リアル感」、作っていない感がより強かったこと。
②対して今回は、アパートの一室で時間を流さなきゃならないので、観客は目のやり場に困らない。すると、何が起こるかというと、
　a. プロットが決まっているだけに、一本調子になり勝ち（特に同棲相手との喧嘩シーン）
　b. 同時進行型の会話の中で、「片方が意識して会話のボリュームを下げることで、もう片方の”メインの”会話を聞かせてしまう」という、新劇な展開が時として生じる。

トライアウトの時も思ったけれども、役者がプロットにあわせて「安全策をとらざるを得ない」のではないかというところが、設定が変わるとこう出ますか、という印象。

でも、逆に言えばそれが今回も「安心してみてられる」結果にある程度繋がっているので、従って、観想を一言で言うなら、前回同様、「悪くない」。

ってことは、だ。この技量で、台詞書く段階でもっとギリギリ詰めれば、もっとスゴイこと出来ると思うんだけれど。前回の感想と似てきて恐縮だが、今回も、これが正直な気持ちです。

東京デスロック 演劇LOVE 3本立て

30/09/2007

「社会」「3人いる」「LOVE」の3本立て、初日一挙上演、全解説付き。
雨の原宿に集まった人々はさすがに猛者揃いで、終日原宿リトルモア地下に詰めてた観客が少なく見積もって20人はいたな。

3作を通して観ながら考えたのは、芝居を通してどう虚構（＝ウソんこ）を創り上げるか、ということ。演劇の場は、作者・演出・役者・裏方・観客・ 小屋までを含めたところで成立するので、その中で、いかにして、「一観客」の地位を選び取った「僕」が自分なりの虚構を仕立てて遊べるか、それに向けて、 「作り手」がどんな仕掛けをこしらえてくれるか。そういうことです。

舞台の上に載っている役者の身体は、ウソをつけない。役者が「僕は手が5本ある」と言っても、それは、無い。でも、役者が、「僕には、見えないし 触れない手が5本付いている」と言い張ったら、それは本当かもしれない。それか、役者がウソをついている。大事なのは、ウソをついているのは役者の台詞で あって、目に見えたり匂ったりする身体がウソをついていないということです。

作り手の「仕掛け」は虚構を紡ぎだす（ウソんこの世界を作り出す）起点/支点を定めていて、例えば、役者が「なんて晴れた空だ」といってみたり、 みんなでスーツを着て会社っぽくしたり、お皿を落として驚いたり、下ネタや裸を乱発して下賎な雰囲気を醸し出したり。観客はそういう仕掛けを支点にして、 エイヤッと自分の想像力・妄想力にレバレッジをかける。

前置きが長くなったが、要は、今回のデスロック3本立ては、舞台の上からミエミエの虚構構築装置を剥ぎ取っていった時に、演劇の場がどう虚構・妄想を紡ぎだせるのかを生物進化の絵本のように見せてくれる体験だった、ということだ。

＜以下、モロ、ネタバレです。結論が待てない人にはこう言おう。まぁまず、観ろ。絶対に、観ろ。どうしても観れない人にはこう言おう。ご愁傷様でした。＞






1本目「社会」は、作・演出本人も「スタンダードな現代口語演劇」と言っているし、まぁ、台詞の端々や携帯電話での会話（のふり）が、虚構世界を支える機能を果たしていて、あとは作・演出の話のまとめ方と役者個人個人の面白さを観る芝居、ということになる。
勿論そこでは、新劇等々の「驚いたお皿ガチャン」とか、小劇場の「逼迫雄たけびドン！」という仕掛けは先ずもって剥ぎ取られている。観客の想像力 といっても、所詮は片桐の人格とかカラオケ屋の事件とか、高山がどのパートを担当してたのかとか、まさかステージでは金髪のカツラかぶってたんじゃ、と か、その程度のもんだ。ま、それが楽しいんだけど。

2本目「3人いる！」になると、今度は、舞台の外の社会も剥ぎ取られている。この芝居でも携帯電話は使われるが、その相手「ヤマちゃん」は、実は 舞台の上に居て、話す相手になってしまったりして、要は、世界が3人の中に閉じる。「外の世界で展開する物語」を支点に想像力を発揮する機会は観客から剥 ぎ取られ、観客は、舞台の上の3人について、
・　ロジカルに考えれば誰が本物で誰が偽者か、を、考えながらみないといけない、
・　さらにふと、もっと怖い考えが頭に浮かび、あ、でもそんなことを考えてしまったなんて人に話したらただの異常な四十オヤジといわれること請け合いだ、トホホ、と独り苦しんだり、
てな具合に頭を回転させ続けることを強いられる。役がくるくる入れ替わって付いていけなくなる手前のところで寸止めを掛け、そこに観客の想像力を働かせる余地を残す多田氏の手管に脱帽する。

で、3本目、「LOVE」では、その3人の「世界」「背景」すらも取り去った状態から芝居が始まる。背景の無い剥き出しの身体を舞台に載せたとこ ろで、どうやって虚構を紡ぐことができるのか。虚構の構築に失敗したら暗黒舞踏に行って「わからんなぁ」と呟くオヤジと一緒になってしまう。
上でも書いたが、ウソをつくのには身体だけでは足りない。何か仕掛けが必要だ。役者同士が目と目でコミュニケーションして、立ったり座ったり。 3対2とか4対1で人間の関係性・政治の本質を思い浮かべるほど僕の妄想は陳腐でないし、かといってもっとすごいものが紡げるほど強力でもない。実は、途 中まで、すごく心配したのだ。
が、そこまで引っ張っておいた甲斐があったと確信した、その虚構の梃子の支点は、次の2つ：
①音楽。「これ、誰がかけたんだ?」と考える、つまり、何らかの意図を感じた途端に、世界が広がる。
②夏目登場。この男の、まるっきりコンテクストに囚われない立ちは何なんだ?強烈に色んなことを考えてしまう。

ん、と。言いたいことは。"LOVE"においては、観客は、すごく少ない小さなチャンスに自分の想像力を賭けることを強いられているのではないかと。少なくとも僕はそう感じた訳です。そういうきっかけを探しに行かないと入り込めないように出来ているのではないかと。

ちなみに、僕の感じた世界は、次の通りです：
女性達が"I Love You"と言えるのは、歌詞もそう言っているからです。
女性達は、その意味で、何か（＝音楽のスイッチをOn/Offする誰か）に、その在り方を規定されている。音楽のOn/Offはその躾のプロセス。
夏目は登場当初、だれにも規定されていない。
でも、女性達から矢継ぎ早に発せられる質問に答えることで、夏目は規定されていく。一定のコンテクストに絡めとられていく。それを確かめる作業が、「あー、いーですねー」だ。
同時に質問の投げ手たる女性達も益々縛られていく。彼女達は夏目よりも一歩半だけ、余計に縛られた存在になっている。
そう考えると、「どんな○○が好きですか?」という問いかけは、夏目のLoveを規定していく過程である。Loveもまた、一定の枠組の中にて意義付けられ、規定されるべきものとしてある。

あ、これは、そのまんま、オレ自身のLoveに対する自信の無さが生み出した怖い妄想なんだ。あるいは、自分が社会に縛られていることを反映して、自分の想像力がこっちの方向に進んだんだ。

で、最後、女性達は社会に出て行く。めいめい社会に受け入れられるLoveをかかえて。しばし夏目考える。でも、やっぱり社会に出て行く。そして3本立ての1本目に戻る。

以上が、僕が"Love"から紡いだ虚構です。

アフタートークで多田氏の話したイメージと、全然違った。でも、僕にとっては僕の妄想の方が面白い（って当たり前だが）。多田氏は、そうやって勝 手な想像力が膨らむことを観客に許す。いや、勝手に膨らませることを強要する。そのための仕掛けだけはちょっとだけ残しといてくれている。その「ちょっと だけ」が、どんどんデスロックの芝居から剥ぎ取られていく。
非常に厳しい芝居だ。途中で「すごく心配になった」時点で、僕は、この芝居からふるい落とされそうになっていたのだ。

こんなに必死になって観ないといけない芝居なんて、ほんと、Loveがなきゃ観れませんぜ。大満喫。家族にも自慢できる。
芝居の作りのことを延々と書いたが、勿論、役者陣みんな良し。夏目・佐山はもとより、客演岩井氏、その他男優・女優、堪能しました。小屋番の女性 のたたずまいも、夏目の立ちと同じくらい美しかった。お疲れ様でした。そして何より、気持ちの良い客席・客層でした。秋のデスロック祭り。豊作である。